Les Jardins d'Isis

JEANNIE BELL, REINE DE LA BLAXPLOITATION

Christophe Champclaux — 2009-12-29T16:51:26Z

Avec son adorable grain de beauté sur l'arrête du nez, sa moue boudeuse et sa poitrine parfaite, Jeannie Bell fut l'une des reines de l'âge d'or de la Blaxploitation. Malgré la brièveté de sa carrière, cette ancienne playmate reste dans l'histoire du cinéma pour le rôle culte de la bagarreuse Diana Jackson dans la production de Roger Corman « Dynamite Jackson ». Son combat topless inspira à Quentin Tarantino l'une des plus célèbres scènes de « Jackie Brown ». « You want it black, you got it black ! »

Anna Lee Morgan est née à Saint Louis, Missouri, le 23 novembre 1943. Elle grandit à Houston, Texas, en compagnie de ses trois sœurs cadettes, et passe ses années de lycée à la Phillis Wheatley High School. Elle aime le bowling, la couture, la lecture et les caniches. Au cours des années 70, on la verra souvent poser accompagnée d'un caniche. Comme beaucoup de jeunes américaines, son film préférée est Autant en emporte le vent. Un film pas vraiment valorisant pour la communauté africaine américain, mais nul doute que la petite Anna s'est reconnue dans la détermination de Scarlett, une femme de tête prête à endurer les pires tourments pour atteindre son objectif. Anna s'inscrit à la Jesse H. Jones School of Business, un département de la Texas Southern University, accueillant majoritairement des étudiants africains américains. Anna tombe amoureuse du professeur Moore et l'épouse. Leur fils Troy Lee nait en 1963. Ce sera le seul enfant du couple qui divorcera quelques années plus tard. Quels que furent les aléas de sa vie professionnelle, Anna restera toujours une mère attentionnée. Une fois son diplôme de business administration en poche, la jeune femme se rend compte qu'elle ne peut obtenir un emploi à la hauteur de ses compétences. Elle doit se contenter d'un job de secrétaire dans une aciérie de Houston. Sans lâcher la proie pour l'ombre, Anna décide de tenter sa chance comme modèle, et commence à s'inscrire dans les concours de beauté. « Le plus important fut le Miss Texas comptant pour Miss America Pagent. J'étais le première Noire à tenter l'aventure au Texas, et je suis arrivée à la deuxième place. Je ne pensais même pas qu'ils allaient m'accepter, et je voulais savoir jusqu'où je pouvais aller. Dans ce concours, j'ai eu la chance de rencontrer pas mal de gens. L'un d'entre eux était un photographe indépendant. Il prit quelques photos de moi qu'il porta au magazine Playboy. Je ne pensais absolument pas qu'il allaient me retenir pour la page centrale - celle de la Playmate - parce que je suis Noire. Mais deux semaines plus tard, j'étais sélectionnée. Ils ont renvoyé le photographe avec la mission de faire sur moi un reportage complet » (1). Poser nue dans la puritaine Américaine, n'est jamais une mince affaire, et Anna décide de ne pas figurer sous son véritablement nom. Pour le public, elle sera désormais Jean Bell. « Je travaillais comme secrétaire dans une aciérie, et je me suis dit : " Bien, si ils apprennent que j'ai posé pour Playboy, ils vont me virer". Et c'est ainsi que le photographe a changé mon nom. Je me suis demandée ce que ma mère dirait. Je l'ai informée et elle m'a dit : " Bien, si cela te fais plaisir, fait-le. Fais ce que tu as choisis de faire" parce qu'elle savait que je ne ferais rien qui puisse la blesser, elle ou mon père » (2).

Lone Star Standout

Quelques années plus tôt en 1965, Anna avait posé vêtue d'un bikini de vison pour le magazine Jet, un hebdo news et people tourné vers la communauté noire, publié par le même éditeur que le célèbre mensuel Ebony. La photo était parue dans le numéro du 1 er juillet, dans la sélection des meilleures images de la semaine. Une image plutôt nunuche et pas vraiment glamour. Quatre ans plus tard, la transformation est radicale. La jeune femme a gagné en assurance et en séduction. En plus de la très belle photo en page centrale, les lecteurs du magazine découvre la jeune femme à travers un reportage de 5 pages signé par le photographe Don Klumpp. On y découvre la toute nouvelle Jean Bell en villégiature sur la plage de Galvestone en compagnie de son boyfriend Frank Turner, Jean donnant une conférence sur le bon usage des cosmétiques, au travail avec son agent Pat Renee, et naturellement, Jean au bowling, son loisir favori. « Je sais que c'est idiot, mais je suis une fanatique du bowling. Pendant un temps, j'ai même envisagé de devenir bowler professionnelle, mais je n'étais pas assez bonne ». On peut noter que si la superbe poitrine de Jean a bien été mise en valeur, son grain de beauté sur l'arrête du nez a par contre été effacé. Il n'est nullement fait mention dans l'article du diplôme universitaire de la jeune femme. Le chapô affirme : « Les yeux du Texas sont sur Jean Bell, une mannequin qui nous apporte la preuve vivante que Black is Beautiful ». Malgré cette ouverture citant l'un des slogans de la Black Pride popularisé pendant la lutte pour les droits civiques, il s'agit dans cet article de donner un portrait le plus lisse possible. « Je ne suis pas très impliquée dans la politique ou les droits civiques. J'essaie juste de m'en sortir ». S'en sortir en brisant comme le note le journaliste quelques barrières raciales. « Les seuls employés noirs de l'aciérie étaient des travailleurs manuels. Le syndicat a insisté pour une ouverture des emplois de bureau. C'est ainsi que j'ai été engagée. J'étais un peu stressée au début, mais les gens sont parfois plus humains que ce laisse croire leur apparence. Lorsqu'ils vous voient tous les jours face à face et qu'il constate que vous êtes une personne comme les autres, la plupart réagissent avec chaleur ». Jean rappelle avec amusement comment sa carrière de modèle a débuté : « Un jour, j'ai vu dans le journal une publicité pour le concours de Miss Houston. J'ai voulu tenter l'aventure et j'ai téléphoné sans préciser que j'étais Noire, ils ne l'on découvert que le jour de l'audition. La femme en charge fut légèrement intorloquée - puisque jusqu'à ce jour, c'était un concours réservé aux Blanches - mais personne n'a rien dit. Je n'ai été classée que quatrième, mais j'ai fait mieux pour Miss Texas » (3). Jean pose pour des photos publicitaires et cherche à faire des publicités télévisées. En attendant, elle a put décrocher pour trois semaines un rôle de danseuse dans la version scénique de la comédie musicale A Funny Thing Happened on the Way to the Forum. Et elle confie qu'une fois sa carrière achevée, elle épousera l'homme qui lui convient. Un projet que Jeannie réalisera pleinement.

Une carrière d'actrice

L'article de Playboy confère à Jeannie Bell une véritable notoriété qui lui permet de signer quelques mois plus tard un contrat à Hollywood avec Filmways Television pour la sitcom à succès Beverly Hillbillies (Les péquenots de Beverly Hills) diffusée sur CBS. Une famille de misérables paysans du Missouri devient millionnaire du jour au lendemain à la suite de la découverte d'un gisement de pétrole sur leur terre. Les quatre personnages principaux se retrouvent en complet décalage avec les comportements usuels des autres habitants du quartier. Démarrée en 1962, la série durera 9 saisons, comptant des guest stars de prestige telles que John Wayne ou Gloria Swanson. Depuis septembre 1966 et l'apparition du personnage de Barney Collier interprété par Greg Morris dans l'épisode pilote de la série Mission impossible, les auteurs de séries TV ont pris l'habitude d'intégrer des Africains Américains dans leurs intrigues. L'exemple avait été donné un an plus tôt dans la série Les Espions avec le personnage d'Alexander Scott incarné par Bill Cosby. Viendront ensuite le lieutenant Nyota Uhura (Nichelle Nichols) dans Star Strek (1967), puis Peggy Fair (Gail Fisher) dans Mannix (1968). L'auteur Paul Henning, concepteur original de la série Beverly Hillbillies écrit ainsi pour la huitième saison un personnage tout simplement nommé Sugar Jean Bell. Jeannie apparait dans cinq épisodes différents diffusés entre janvier et mars 1970. En tant que modèle Jeannie atteint ses objectifs : elle décroche une pub TV pour une marque de savon en prenant une douche des plus sensuelles. Mais pour la comédienne, la suite s'avère plus délicate à négocier. Au cours des 3 années suivantes, Jeannie doit se contenter de tout petits rôles. En 1972, on l'aperçoit dans trois excellents thrillers relevant de la blaxploitation, Melinda, Fureur noire et Gunn la gachette. C'est à cette époque que Jeannie fréquente John DeLorean, vice président de la General Motors, et futur créateur de la voiture immortalisée dans Retour vers le futur. En 1973, Jeannie apparait dans les séries TV L'homme de fer et Sanford & Son. Fort heureusement, son seul rôle cinématographique de l'année la rapproche lentement du haut de l'affiche avec le personnage de Diane dans le second long-métrage de Martin Scorcese, Mean Streets. Incidemment, les scénaristes de Dynamite Jackson donneront ce même prénom à leur héroïne. L'année suivante marque le sommet de la carrière d'actrice de Jeannie. Elle incarne Polly - encore un petit rôle - dans le plus gros succès de la Blaxploitation de 1974, Les Démolisseurs, réalisé par Gordon Parks Jr. Dans Cette femme est un flic, qui sort aux USA le 8 février 1974, Jeannie accède enfin à un rôle important, celui de Pam Harris, l'une des deux femmes flics du titre. Pam, dont le prénom n'a sans doute pas été choisi par hasard, aide l'héroïne Lacy Bond (Sondra Currie) à démanteler un dangereux gangs de filles. Jeannie apparait seins nus à deux reprises, pour le plus grand plaisir de ses fans. Les arts martiaux jouent un rôle prépondérant dans les scènes d'action. Un avant gout de ce qui attend Jeannie dans Dynamite Jackson.

L'Homme du clan

Complétant son rôle dans Cette femme est un flic, Jeannie Bell reçoit ensuite un sérieux coup de projecteur pour une raison extra-professionnelle : sa rencontre avec Richard Burton sur le tournage du film de Terence Young, L'Homme du clan. Cette production Paramount a plus intéressé la presse pour l'éthylisme de Richard Burton et de Lee Marvin que pour son contenu. Un contenu loin d'être anodin puisqu'il aborde la question du Ku Klux Klan. À la parution de son roman The Klansman en 1967, l'écrivain William Bradford Huie eu l'honneur de voir la devanture de sa maison de l'Alabama décorée d'une superbe croix enflammée offerte par la section locale du KKK. Trente ans plus tôt, l'écrivain aurait été purement et simplement exécuté. Le film dispose d'un budget de 5 millions de dollars réunis par le producteur africain américain William Alexander. Dans la version originale du scénario écrit par le réalisateur Samuel Fuller, Lee Marvin doit incarner un dirigeant du Ku Klux Klan traquant le militant noir incarné par O. J. Simpson. Afin de garantir la sécurité de l'équipe, le film n'est pas tourné en Alabama, mais à Oroville, en Californie. Sage décision puisque le dernier crime du Klan en Alabama n'a été commis qu'en 1981. Inquiété par le ton polémique du film, Paramount menace Alexander de bloquer le financement si le personnage de Lee Marvin n'est pas réécrit pour être transformé en shérif sympathique. Lorsque Paramount obtient gain de cause, Fuller quitte la production, la réalisation étant confiée au britannique Terence Young. Lié par son contrat, Marvin doit accepter le changement. À l'arrivée le film perd une grande partie de sa force polémique, mais reste malgré tout une des rares œuvres cinématographiques à traiter ouvertement des crimes du KKK. Le principal rôle féminin afro-américain est tenu par Lola Falana. Burton incarne un fermier opposé au Klan, un 'nigger lover'. Une caractéristique de son personnage qui se prolonge hors caméra avec notre belle Jeannie. Lorsqu'à la fin du tournage Richard est hospitalisé pour éthylisme aggravé, Jeannie est à ses côtés. Un détail qui n'échappe pas à la presse people. Depuis sa séparation avec Liz Taylor, qui aboutit à un premier divorce le premier juin 1974, Richard Burton est au centre des attentions des paparazzi. Pendant 18 mois, Jeannie s'installe à Genève et retrouve Richard dans sa maison de Céligny, une enclave du canton de Genève située dans le canton de Vaud. Les photos de l'époque les montre en amoureux entre Genève et Nice. Durant cette période, Troy Moore, le fils de Jeannie est scolarisé en Suisse. À force de patience et d'attention, Jeannie réussit l'exploit de désintoxiquer l'acteur gallois. Richard redevenu sobre, Liz revient vivre avec lui et le couple mythique se remarie le 10 octobre 1975 avant de redivorcer six mois plus tard. Jeannie retourne à Los Angeles, sans en concevoir la moindre amertume, ainsi qu'elle l'expliquera en février 1976 au magazine Jet. L'Homme du clan sort aux États-Unis le 13 novembre 1974 et se fait injustement démolir par la presse américaine, entrainant son échec commercial. Un échec qui mettra fin à la carrière de William Alexander. Un échec qui n'affecte pas la carrière de Jeannie. Dans l'intervalle, elle a obtenu le rôle de sa vie en incarnant la tête d'affiche de Dynamite Jackson.

Dynamite Jackson

Après avoir été pendant 15 ans le producteur réalisateur vedette de l'American International Pictures, Roger Corman a fondé en 1970 sa propre compagnie, New World Pictures. Grand découvreur de talent, Corman a fait débuter rien moins que Francis Ford Coppola, Martin Scorcese, Ron Howard et James Cameron. Il a également donné leur première chance en tête d'affiche à Jack Nicholson, Robert de Niro, David Carradine et Pam Grier. C'est lui qui choisit Jeannie pour incarner Diana "TNT" Jackson, l'héroïne du film qu'il vient de faire écrire par Ken Metcalfe et Dick Miller d'après une idée originale de Cirio Santiago (sous le pseudonyme de Leonard Hermes) et Ken Metcalfe, afin de répondre au succès de Coffy, produit par AIP et de Dynamite Jones, produit par la Warner. Le tournage à lieu à Hong Kong pour quelques extérieurs vus dans la première bobine, puis à Manille pour les autres décors ainsi que pour la totalité des scènes de studio. La réalisation est assurée par Cirio Hermoso Santiago (1936-2008), le partenaire philippin de Roger Corman. Santiago compte parmis les nombreux petits maîtres de cinéma populaire ayant influencé Quentin Tarantino. Le scénario de Dynamite Jackson, une histoire de vengeance familiale regarde autant du côté de la Blaxploitation que du polar Kung Fu made in Hong Kong. C'est d'ailleurs à Hong Kong que se situe l'histoire.

Pendant une représentation d'opéra chinois, Stag Jackson est assassiné par Charlie (Stan Shaw), associé de Sid (Ken Metcalfe), un baron de la drogue. Diana Jackson arrive à Hong Kong pour enquêter sur la mort de son frère. À peine descendue de l'avion, Diana se fait déposer dans un des quartiers chauds de la ville. Elle y affronte six lascars qui tentent de lui dérober sa valise. Elle est ensuite prise en charge par Elaine (Pat Anderson), une américaine qui lui propose son aide. Maîtresse de Sid, Elaine est en fait un agent de la DEA infiltré dans l'organisation mafieuse. Diana accepte l'aide de Joe (Chiquito), le patron de l'hôtel night club Joe's Haven où elle a pris une chambre. Diana se rapproche de Charlie pour tenter d'infiltrer le gang. Charlie charge Elaine de surveiller Diana. Les deux femmes décident de travailler ensemble pour abattre Sid. Convaincu que Diana a une idée derrière la tête, Sid charge son associé Ming (Leo Martin) de la capturer et de la faire parler. Surprise dans sa chambre, elle manque de se faire brûler la poitrine. Frappant Ming, elle se libère, jette sa chemise de nuit déchirée à la tête de ses agresseurs et les combat à peine vêtue d'une petite culotte. Diana quitte l'hôtel et se réfugie dans une misérable chambre d'un quartier pauvre. Menaçant de torturer la fiancée de Joe, Charlie retrouve sa trace. Après s'être laissée séduire par Charlie, Diana découvre au cours de la nuit que son nouvel amant possède le briquet qu'elle avait offert à son frère. Le gang se rend à Isla del Sol - une île portugaise de la mer de Chine - où tous les trafiquants de drogue de la région se réunissent à l'occasion du carnaval annuel. Diana et Joe débarquent également à Isla del Sol pour régler leurs comptes…

Une femme combattante

Le personnage qu'incarne Jeannie Bell dans le film s'inscrit dans la lignée des femmes d'action dominantes et charismatiques ouverte en 1973 par le succès de Pam Grier dans Coffy, la panthère noire de Harlem et Tamara Dobson dans Dynamite Jones. Diane Jackson est cependant plus proche de Coffy que de Cléo. Elle agit pour son propre compte, en marge de la loi. Et elle n'hésite pas à montrer son corps, tout en gardant systématiquement le contrôle de la situation, alors que la puritaine Tamara se répand en remarques vipérines envers les actrices qui se déshabillaient devant la caméra. Côté chorégraphies martiales, les amateurs sont comblés puisque contrairement à ses consœurs, Diana Jackson n'a jamais recours aux armes à feu. Jeannie Bell n'est pas une pratiquante d'arts martiaux, mais comme Cheng Peipei avant elle, sa souplesse de danseuse lui permet de mimer les actions avec la fluidité nécessaire, une fluidité renforcé par son assurance naturelle. Jeannie parvient sans problème à nous convaincre de la dangerosité permanente de son personnage. Les actions les plus acrobatiques sont effectuées par une doublure, sans que cela s'avère gênant pour le spectateur. Dans la série TV britannique des années 60, Chapeau melon et bottes de cuir, les personnages de Tara King et d'Emma Peel pratiquaient déjà les arts martiaux, mais restaient toujours en retrait derrière le héros mâle dominant. Dans ce courant féministe de la blaxploitation, ce sont les femmes qui imposent leur loi et les hommes qui restent au second plan.

Le combat topless

Repris par Quentin Tarantino dans Jackie Brown, le combat topless est la scène majeure de ce film culte. Nous sommes dans un film d'exploitation. Il s'agit d'émoustiller le spectateur mâle, sans que le personnage féminin dominant ne s'en trouve nullement rabaissé.

Christophe Champclaux

EN COURS DE REDACTION

(1) propos publiés dans Jet, page 60, 5 février 1976.

(2) Jet, opus cit.

(3) propos publiés dans Playboy, juin 1969.

photos © Don Klumpp, Playboy, Jet, New World pictures

MELVIN VAN PEEBLES

Christophe Champclaux — 2009-08-04T16:14:50Z

En janvier 2009, l'invité d'honneur des rencontres cinématographiques de Saint-Denis n'était autre que Melvin Van Peebles, l'auteur du film culte "Sweet Sweetback's Baadasssss Song". L'occasion de revenir sur l'œuvre de cet homme libre qui secoua les clichés d'Hollywood sans jamais se laisser dompter.

Melvin Peebles est né le 21 août 1932 à Chicago, Illinois. Diplômé de l'Ohio Wesleyan University, il rejoint l'Air Force où il sert pendant 42 mois. Pendant quelques mois, il gagne sa vie au Mexique en peignant des portraits. De retour aux Etats-Unis il travaille comme conducteur de tramway à San-Francisco. Il écrit sur travail un petit article qui devient bientôt un livre, The Big Heart . Comme il le raconte dans l'interview, un passager lui suggère de devenir cinéaste…

PAUL S. KABRE

Christophe Champclaux — 2009-06-28T18:10:05Z

Auteur d'un documentaire magnifique, "Gàeenga, fous parmis les hommes", Paul S. Kabré a trouvé le regard juste pour filmer la maladie mentale. Son film a reçu en 2003 une mention spéciale de L'Organisation Mondiale de la Santé au Fespaco de Ouagadougou. Ses photos sur les Gàemsés (fous en langue Mooré) ont fait le tour des plus grandes expositions du monde entier.

Paul S. Kabré est un artiste autodidacte. Il est né en 1955 à Godin Boulkiemdé au Burkina Faso. Sa mère luttait contre une maladie mentale qu'elle a réussit à surmonter, mais Paul a du quitter l'école à la fin du cours élémentaire 2° année. Le film Gàeenga est une façon de lui rendre hommage. Pendant 24 ans, Paul travaille dans l'hôtellerie. Ses heures de loisirs, il les consacre à l'apprentissage de la photographie, "parce que je voulais comprendre comment on arrive à imprimer quelqu'un sur du papier".

1999 est pour Paul l'année de la consécration, il obtient le 3ème Prix au Festival Mondial de l'Art photographique en Croatie en juin, ainsi qu'un Master et deux Prestiges au National Photography Awards à Arlington, au Texas, USA en décembre. Paul Kabré fini par sauter le pas, il abandonne son travail dans l'hôtellerie et ouvre Chouette Photo , sa propre boutique de photographe. Tout en continuant à faire le tour du monde, accompagnant ses photos exposées dans les plus grandes galeries de Berne à Bruxelles, et de Paris à Montréal en passant par l'Espagne et l'île de la Réunion, Paul Kabré à publié ses photos en 2006 aux éditions Filigranes dans AFRIPHOTO # 11.

Louise ATANGANA

TARZAN ET LE FILM DE JUNGLE

Christophe Champclaux — 2008-01-18T09:45:37Z

Depuis le premier film de Tarzan violemment raciste de 1918 jusqu'au "Greystoke" victime de l'ordre colonial interprété par Christophe Lambert, en passant par le Tarzan des années 1960 incarné par Ron Ely, le personnage fascinant créé en 1914 par Edgar Rice Burroughs n'a cessé d'évoluer tout au long du XX° pour constituer un passionnant catalogue des regards d'admiration, de jalousie et de haine que l'idéologie coloniale a porté sur l'Afrique et ses habitants.

Tarzan est assimilé depuis les premiers films à un surhomme blanc imposant la loi coloniale à des populations immatures. Cette image n'est pourtant pas celle définie par Edgar Rice Burroughs dans ses romans. Lorsqu'il rédige le premier roman de la série, Tarzan of the Apes , les empires coloniaux britanniques et français sont à leur apogée. Le récit de Burroughs, paru pour la première fois dans le numéro d'octobre 1912 du magazine All-Story, est pourtant loin de faire l'apologie du "rôle positif de la colonisation". On trouve ainsi dès le premier chapitre un paragraphe dénué d'ambiguité sur le sujet. Lord Greystoke, le père du futur Tarzan, se rend en Afrique pour enquêter sur les faits suivants :

"Les indigènes de la colonie britannique se plaignaient que de nombreux de leurs jeunes hommes étaient attirés par des promesses étincelantes, mais que peu d'entre eux, sinon aucun revoyaient un jour leurs familles (...) ils étaient retenus en esclavage virtuel, car une fois que les termes de leur engagement avaient expiré, l'ignorance dans laquelle les maintenaient leurs officiers blancs les portaient à croire qu'ils devaient encore servir durant de nombreuses années."

Au chapitre IX, un autre paragraphe abonde dans le même sens : "Ils fuyaient devant les soldats de l'homme blanc qui les harcelaient pour l'ivoire et le caoutchouc qu'ils avaient tenté un jour de reprendre à leurs conquérants en massacrant un officier blanc et ses soldats noirs. Ils se réjouirent de leur victoire jusqu'au jour où un solide corps de troupe s'abattit en pleine nuit sur leur village pour venger la mort de leurs camarades. Cette nuit, les soldats noirs de l'homme blanc se livrèrent à un massacre, et seule une petite troupe de rescapés de ce qui fut autrefois une puissante tribu parvint à se fondre dans la jungle épaisse, vers l'inconnu et la liberté". Promesses mensongères, travail forcé, pillages et massacres, autant de caractéristiques de l'oppression coloniale contredisant le discours officiel de la littérature bien-pensante : santé, éducation, construction d'infrastructures. Cependant, Burroughs n'est pas Albert Londres. Son but est de produire de la littérature de divertissement et non de faire œuvre militante. Il évite simplement de se mêler à la meute des écrivains et savants coloniaux (1). Le thème qui travaille le roman de Burroughs, c'est celui du vieux conflit entre nature et culture, entre l'inné et l'acquis. L'apprentissage solitaire de la lecture par Tarzan, totalement fantaisiste sur le plan scientifique, constitue sans aucun doute le passage le plus fascinant du livre. Avec l'aide de livres pour enfant et de dictionnaires l'homme singe apprend une langue écrite, l'anglais, sans en connaître la prononciation.

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Ancien élève militaire ayant servi dans le célèbre 7 ° régiment de cavalerie des États-Unis (2), Burroughs n'est pas un intellectuel au sens traditionnel du terme. Il n'a jamais livré la source de son inspiration, ne s'est jamais exprimé sur son parcours créatif. La filiation littéraire est cependant limpide. Admettons que Kipling et son Livre de la Jungle n'aient pas joué de rôle déterminant dans la création de Tarzan, on ne peut cependant éviter la référence à Romulus et Rémus élevés par une louve. La source gréco-latine est explicitement révélée au chapitre XIII : " Sa silhouette altière et parfaite, musclée à la manière des anciens gladiateurs de Rome, présentant toutes les lignes galbées d'un dieu grec, offrait au premier regard la merveilleuse combinaison d'une force fantastique, souple autant que rapide." La rencontre entre Tarzan et plusieurs guerriers africains s'avère particulièrement violente, et se solde par plusieurs cadavres. L'homme singe est d'ailleurs tenté de dévorer sa première victime, Kulonga, le fils du chef : "L'éthique de la jungle permet de manger la viande de la proie que l'on vient de tuer". Il ne s'arrête qu'à la dernière seconde, une force mystérieuse s'opposant à sa pulsion anthropophage (chapitre IX). Précision : Tarzan of the Apes, riche en détails sanglants n'est pas un roman pour enfants. Lorsque le héros se retrouve confronté pour la première fois à l'homme blanc, c'est pour assister à un meurtre de sang froid (chapitre XIII) : "La conduite des étrangers blancs lui causa une intense perturbation. Il fronça ses sourcils en signe de profonde réflexion. Il se félicita de n'avoir pas suivi son impulsion première qui le poussait à se précipiter et à reconnaître ses hommes blancs comme ses frères. Ils n'étaient de toute évidence guère différents des hommes noirs, pas plus civilisés que les singes, pas moins cruels que la lionne Sabor". Le roman de Burroughs est loin de prêcher l'amour entre les peuples, chaque individu étant renvoyé au miroir de sa propre violence. Après avoir, du haut de son arbre, assisté à un nouveau réglement de comptes entre blancs, Tarzan-Burroughs porte un jugement sans appel (chapitre XVII) : "Les hommes étaient plus fous et plus cruels que les animaux de la jungle ! Quelle chance il avait de vivre dans la paix et la sécurité de la grande forêt". Nous sommes loin de la fascination bienveillante que déploie Henry Rider Haggard dans son chef-d'œuvre Les Mines du roi Salomon. Face à son héros blanc Allan Quatermain, Haggard campe un héros tout aussi fascinant, le sage Umbopa. De son côté, Burroughs n'accorde à aucun des ses personnages africains l'intelligence et la dignité d'Umbopa. Haggard a longtemps vécu en Afrique, Burroughs n'y a jamais mis les pieds. Pour lui, l'Afrique, une Afrique de fantaisie on l'aura compris, n'est qu'un gigantesque terrain de jeux servant à éprouver l'intelligence, la force et l'endurance du héros blanc dans sa quête intuitive des origines de l'espèce humaine. Mais malgré cela, on ne trouve nulle trace dans Tarzan of the Apes de ce mépris affiché pour l'Afrique et ses habitants que vont développer pendant plusieurs décennies les films adaptant les aventures de l'homme singe.

Christophe Champclaux

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(1) Rappelons que les savants ont laissés dans la conscience collective bien plus de traces négatives que les écrivains. Il suffit de constater le succès que remporte encore aujourd'hui le mythe colonial des pharaons blancs.

(2) C'est à la tête de ce régiment que le 26 juin 1876 le général George Armstrong Custer fut vaincu et tué à la bataille de Little Bighorn par une coalition de guerriers Sioux, Cheyenne et Arapahos dirigée par Sitting Bull et Crazy Horse. C'est ce même régiment qui se rendit coupable, le 29 décembre 1890, du massacre de Wounded Knee, où périrent plus de 300 hommes, femmes et enfants du peuple Sioux Lakotas. C'est dans la compagnie B du régiment, stationné à Fort Grant, Arizona, que servit de mai 1896 jusqu'en mars 1897 le cavalier Edgar Rice Burroughs.

SEMBENE OUSMANE

Christophe Champclaux — 2007-12-31T21:50:24Z

Ses neuf long-métrages, réalisés entre 1966 et 2003, ont modifié à jamais la représentation cinématographique de l'Afrique et des Africains. Avant lui, les images provenant du continent étaient l'œuvre de cinéastes étrangers plus ou moins bien intentionnés. De la chronique villageoise à la fresque historique, de la comédie de mœurs au film de guerre décalé, Sembène Ousmane a exploré un certain nombre de territoires de fiction aujourd'hui fréquentés avec bonheur par les cinéastes africains.

Lorsqu'il s'éteint le 10 juin 2007 à l'âge de 84 ans, Sembène Ousmane est depuis longtemps rentré dans la légende. Avant lui, seuls René Vautier, Chris Marker, Alain Resnais et Jean Rouch, dans le registre documentaire, avaient tenté de proposer dans les années 1950, une alternative aux images sous contrôle produites par l'Europe ou par Hollywood. Sembène sera le premier Africain à filmer l'Afrique, à rendre leur image aux Africains. Autodidacte, Sembène Ousmane s'est d'abord imposé comme écrivain, puis comme cinéaste. Pour cet enfant du peuple, le pari n'était pas gagné d'avance.

Ousmane Sembène est né le 1er janvier 1923 à Ziguinchor, capitale régionale de la Basse Casamance. A 80 km de la côte, la ville est bâtie sur le bord du fleuve Casamance. Le père Mousse Sembène, Wolof originaire de Dakar, s'est établi à Ziguinchor pour y exercer son métier de pêcheur. D'origine modeste, Mousse tient à ce que son fils reçoive une éducation qui lui permette d'échapper à sa condition. L'enfant est d'abord confié à un oncle instituteur. Il va ensuite suivre les cours de l'école coranique, ainsi que ceux de l'école française. De cette façon, l'enfant saura lire et écrire l'Arabe et le Français. « Le pain arrivait dans des journaux français. Chaque fois que mon père déballait une baguette, il me demandait de lui faire la lecture. (*) » Dès l'adolescence, le futur militant panafricain comprend l'inanité du système colonial. En 1937, à l'âge de 13 ans, il quitte l'école française après avoir giflé le directeur. Fini les études, Ousmane doit travailler. D'abord pêcheur au côté de son père. Mais même sur les eaux tranquilles du fleuve Casamance, il ne se sent pas le pied marin. En 1938, Ousmane part pour Dakar où il devient mécanicien, maçon, puis militaire, dans un régiment de tirailleurs sénégalais. On l'envoie au Tchad, au Niger puis en Allemagne.

Entre l'Afrique et l'Europe

Cette expérience lui fait découvrir l'envers de la colonisation. « A l'armée, nous vîmes la nudité de ceux que nous considérions comme nos maîtres, nous les vîmes en larmes, certains étaient lâches ou ignorants. Lorsqu'un soldat blanc me demanda de lui écrire une lettre, ce fut une révélation. Je croyais que tous les Européens savaient écrire. La guerre démythifia le colonisateur (*). » Démobilisé, Sembène participe en 1947 à la grande grève qui paralyse la ligne de chemin de fer Dakar-Niger. De retour en France il travaille dans une usine Citroën de la région parisienne, puis part pour Marseille où il travaille comme docker sur le port. Pendant ses heures de liberté, l'autodidacte ne cesse de lire, d'aller aux concerts, de fréquenter les salles de cinéma. Ses convictions politiques le font adhérer en 1950 au parti communiste français. "Les grèves à Dakar m'ont créé un vécu qui m'a nourri, mais c'est dans les années cinquante, à Marseille, au sein du Parti communiste, que j'ai découvert la littérature, le théâtre, les ciné-clubs" (**). En tant que militant de la CGT, il participe au blocage des chargements militaires à destination de l'Indochine en guerre. Premier contact avec le cinéma, il tourne dans le film de Paul Carpita, Le Rendez-vous des quais, fiction chaleureuse construite autour de la grève des dockers de Marseille. Incidemment, ce film sera interdit par le gouvernement français dès le lendemain de sa première projection publique, et ne sera retrouvé qu'en 1988 aux archives de Bois d'Arcy. Les scènes dans lesquelles Sembène apparait seront coupées au montage , mais le virus est pris. Devenu responsable syndical, Sembène veut faire partager au plus grand nombre son expérience de militant. Il écrit son premier roman, Le Docker noir, publié en 1956 par Présence Africaine. « Je dédie ce livre à ma mère, bien qu'elle ne sache pas lire. … Penser qu'elle y promènera les doigts suffit à mon bonheur. » Il signe le livre en inversant son nom et son prénom. « Je réécrirai mon nom à l'endroit le jour où les rues de Dakar ne porteront plus de noms français ».

un écrivain reconnu

Le Docker noir raconte le racisme et les mauvais traitements vécus par Diaw, un docker africain. Le livre précise que les émigrés arabes et espagnols vivent des vexations similaires, pointant le fait que la source de l'oppression est d'abord économique. Diaw écrit un livre dont le manuscrit est volé par une femme blanche . Elle publie le livre sous son nom. Diaw la retrouve et la tue accidentellement. Comme L'Etranger de Camus, il est jugé et exécuté. Le succès du livre permet à Sembene de continuer à écrire. En 1957, le second roman de l'écrivain, Ô Pays, mon beau peuple, raconte l'histoire de Oumar, un fermier ambitieux décidé à moderniser l'agriculture de son pays. Le pouvoir colonial lui barre la route. Marié à une femme blanche, Oumar est également rejeté par les gens de sa propre communauté. Il finira assassiné. Succès international, ce second livre permet à Sembène de recevoir des invitations dans le monde entier. Les pays communistes lui portent naturellement une attention toute particulière, la Chine, Cuba, l'Union Soviétique. En 1960, il publie Les Petits bouts de bois de Dieu, encore aujourd'hui considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de la littérature africaine. Sembene y raconte dans son style réaliste la grande grève des cheminots sénégalais de 1947. Le récit se déroule parallèlement à Dakar, Thies et Bamako. Centré sur la personnalité du délégué syndical Ibrahima Bakayoko, le récit multiplie les points de vue en présentant une cinquantaine de personnages. Le véritable héros de l'histoire n'est donc pas un protagoniste représentatif, mais bien l'ensemble de la communauté des travailleurs africains en lutte pour le respect de leur dignité. Le livre devient la coqueluche de la critique littéraire internationale qui le présente comme l'équivalant africain du Germinal de Zola. Mais Sembène a conscience que la littérature ne peut s'adresser qu'à une minorité cultivée. S'il veut s'adresser au plus grand nombre, il va devoir passer par un autre médium : le cinéma.

Les débuts d'un cinéaste

Sembène souhaite rentrer à l'IDHEC, mais l'accès lui est refusé. En 1961, après avoir tenté en vain de se faire une place en France, Sembène, sur la recommandation de l'historien du cinéma George Sadoul, est admis à suivre pour une année une formation au VGIK de Moscou, puis au Studio Gorki de Moscou. L'un de ses professeurs n'est autre que Mark Donskoï dont il admire depuis des années les films La Mère, et L'Enfance de Gorki. Dès l'année suivante, Sembène retourne dans son pays pour y réaliser son premier court-métrage Borom Sarret (Le Bonhomme charrette). Sa caméra accompagne la journée d'une modeste charretier traversant les différents quartiers de Dakar, prétexte à un regard ironique sur l'écart des conditions sociales dans la capitale sénégalaise. Le jeune cinéaste enchaîne avec un documentaire (L'Empire Sonhrai, 1963) puis avec un second court-métrage de fiction, Niaye (1964). La jeune fille d'un griot, enceintée par le chef du village, met la communauté en ébullition. Renforcé par cette expérience, Sembène se sent prêt à effectuer le grand saut : réaliser le premier long-métrage de l'histoire du cinéma africain : La Noire de … (1966). Le film est produit par André Zwoboda, un ancien collaborateur de Jean Renoir. Le scénario, signé par Sembène, est adapté d'une de ses nouvelles parues dans le recueil Voltaïque publié en 1962 par Présence Africaine. Une petite histoire sert à nous révéler la grande. Diouana est la servante d'un couple de Français racistes. Lorsque ces derniers quittent le Sénégal pour s'installer à Antibes, ils emmènent leur domestique avec eux. L'isolement culturel puis la violence psychologique que subit la jeune Africaine dans sa nouvelle vie la conduira au désespoir. 65 minutes, une photographie granuleuse en noir et blanc agrémentée d'une séquence en couleurs, peu de moyens financiers compensés par la formidable maîtrise narrative d'un cinéaste épaulé par une équipe de comédiens formidables, tel est le bilan de cet œuvre réussie, placée sous l'influence esthétique de la nouvelle vague française. Mbissine Thérèse Diop, l'interprète de Diouana, est doublée pour la voix par l'actrice haïtienne Toto Bissainthe. La Noire de ... fait l'effet d'une bombe. Sélectionné par les plus grands festivals internationaux, il remporte en France – juste revanche – le prestigieux Prix Jean Vigo. Ayant réglé son compte au mépris engendré par le néocolonialisme et l'esclavagisme moderne, Sembène braque désormais sa caméra sur les travers de la nouvelle société sénégalaise urbaine. En 1968 il réalise en couleurs son deuxième long métrage, Le Mandat, adapté de son roman paru en 1965. Ibrahim (Makhouredia Gueye) est un brave père de famille, un peu fainéant et réactionnaire, mais honnête et digne, vivant paisiblement avec ses enfants et ses deux épouses dans un faubourg de Dakar. Un jour, le facteur annonce à ses épouses que le neveu d'Ibrahim, éboueur à Paris, vient d'envoyer une mandat de 250 nouveaux francs. Cette soudaine fortune, dont Ibrahim n'est que le dépositaire, déchaîne autour de lui un véritable enfer de bassesse, de rapacité et de corruption. Adoptant l'ironie grinçante des comédies italiennes, Sembène nous raconte avec humour une histoire pas forcément drôle, épinglant la faiblesse de l'être humain face au pouvoir de l'argent.

Louise Atangana

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(**) Propos recueillis par Michèle Levieux, L'Humanité, 15 mai 2004.

WESLEY SNIPES, ENTRE ACTION ET REFLEXION

Christophe Champclaux — 2007-12-29T18:21:28Z

Qu'il interpète un flic, un gangsta, un musicien, un mari honteux, un séducteur, un vampire ou une drag-queen, Wesley Snipes parvient toujours, et quelle que soit la qualité du film, à emporter l'adhésion du spectateur. Il est vrai que quand on fait partie de la famille artistique de Spike Lee, on peut se permettre de changer de registre sans craindre de se voir coller une étiquette réductrice. Il appartient à cette race d'acteurs très rare, celle de ces stars masculines exigeantes et douées, capables de passer avec une aisance égale d'une œuvre d'auteur exigeant à un divertissement calibré pour le grand public. En Europe il y eut Jean Gabin, Gérard Philippe, Alain Delon, Jean-Paul Belmondo, et Gian-Maria Volonte. Aux États-Unis, il y a actuellement Johnny Depp, Nicholas Cage, Denzel Washington et Wesley Snipes.

Wesley Trent Snipes est né le 31 juillet 1962 à Orlando, en Floride. Alors qu'il est encore enfant, sa famille s'installe à New-York, dans le South Bronx. Passionné par le théâtre, il s'inscrit à la High School for the Performing Arts, popularisée par le film et la série TV Fame. Tout en poursuivant des études à la State University de New York (il sera diplômé en 1985), il parvient à se faire remarquer dans de petits spectacles off-Broadway. Parallèlement à sa formation intellectuelle et théâtrale, Wesley s'initie au Kung fu, au Taekwondo, et au plus célèbre des styles de combat d'origine africaine, la Capoeira. C'est sans doute cette combinaison de talents, plus sa silhouette athlétique d'un mètre quatre-vingt-dix qui le font remarquer en 1987 par Martin Scorcese pour jouer le rôle du lascar Mini Max dans la version longue du clip Bad réalisé pour Michael Jackson. Intégré en 1989 parmi les membres de l'équipe de base-ball de la comédie à succès Les Indians, Wesley est désormais identifié par le public aussi bien que par les membres de la profession. On va désormais faire appel à lui pour jouer à égalité avec des pointures telles que Sean Connery, Sylvester Stallone et Robert de Niro. Côté partenaires féminines, il est tout aussi agréablement servi avec Annabella Sciora, Lolita Davidovitch, Natassia Kinski ou Irène Jacob. Et rayon metteur en scène, il a droit aux meilleurs : Abel Ferrara, Tony Scott et plus encore Spike Lee qui l'engage à deux reprises. Au départ, Wesley est catalogué dans un double registre : sportif ou truand. Mais c'est Spike Lee qui lui ouvre son champ des possibles avec le remarquable Jungle Fever. Wesley incarne Flipper Purify, un architecte qui trompe sa femme avec sa secrétaire blanche. Wesley arbore sur le tournage un T-shirt portant le sous-titre du film « Who's afraid of the Big Black Dick », au grand dam d'Annabella Sciora, qui incarne la secrétaire. Wesley raconte : « Elle ne voulait pas admettre que certaines femmes blanches sont attirées par les Noirs uniquement parce qu'elles pensent qu'ils sont mieux munis que les Blancs. Je devais lui répéter sans arrêt : Réveille-toi Blanche Neige ».

Suspense à 10 000 mètres d'altitude

Jungle Fever sera un succès public et critique, sanctionné par une couverture du magazine Newsweek où Wesley pose en compagnie d'Annabella. L'image de sex symbol de Wesley est maintenant reconnue par l'Amérique entière. Il gagne désormais quatre millions de dollars par film. C'est en 1992 qu'il étale au grand jour ses talents martiaux dans Passager 57, un excellent thriller aérien dans la veine des Die Hard. John Cutter, un ex-flic sur la touche, se retrouve à bord du même avion qu'emprunte un dangereux terroriste international. L'avion est naturellement détourné avec 200 passagers à bord. À 10 000 mètres d'altitude, Cutter va devoir éliminer les terroristes sans mettre en danger la vie des passagers. « J'ai commencé par refuser de tourner ce film. Quand le producteur Lee Rich m'a envoyé le scénario, j'ai pensé qu'on avait besoin de moi pour le rôle du terroriste. Depuis New Jack City, on n'arrête pas de me proposer des rôles d'enflure. J'ai tout de suite répondu non. Lee Rich m'a dit que j'avais mal compris, qu'on me proposait d'interpréter le héros John Cutter. L'idée m'a évidemment plu et j'ai été encore plus emballé quand on s'est mis à réécrire les dialogues pour que Cutter parle comme un vrai Black ! » Dôté d'un scénario plus travaillé que la moyenne du genre, Snipes parvient à imposer un nouveau modèle d'action hero, mêlant l'efficacité brutale de Steven Seagal à la responsabilité citoyenne de Chuck Norris avant qu'il ne vire dans l'idéologie agressive de George W. Bush. Passager 57 sera un succès, permettant à Snipes de revenir régulièrement au cinéma d'action, sans renier pour autant le travail qu'il fournit dans des films intimistes tels que Pour une Nuit, dans lequel il incarne un brave père de famille qui se retrouve, à la suite d'une incartade sexuelle, contaminé par le virus du Sida.

Black Vampire

À un moment où le public américain commence à être saturé de films d'action crétins type Double Dragon, Spawn ou Mortal Kombat 2, Welsley Snipes, devenu producteur, cherche un nouveau personnage à sa mesure, et si possible, moins stupide que la moyenne. Il trouve chaussure à son pied avec Blade, un comic book de l'écurie Marvel (Spiderman) créé par Marv Wolfman. Cette saga nocturne et urbaine se concentre sur les exploits d'un super-héros black moitié humain, moitié vampire. Les premières images, époustouflantes, du film de Stephen Norrington expliquent l'origine de la double nature de ce héros-vampire. Une jeune femme enceinte arrive à la maternité, une horrible morsure à la gorge. Elle meurt juste après avoir donné naissance à un petit garçon. Orphelin, l'enfant grandira dans la rue. À l'âge de treize ans, il découvrira ses instincts et sa force de vampire. Recueilli par Abraham Whistler (Kris Kristofferson) dont la famille a été exterminée par les vampires, il va devenir Blade, l'invincible, luttant contre ses instincts de prédateur pour rester du côté des forces du bien. Dans son combat contre le redoutable Deacon Frost, Blade découvre l'amour en la personne d'une charmante hématologue, et retrouve la trace de sa mère, passée dans le camp des forces du mal. La mise en scène élégante de Norrington ne se laisse jamais dominer par les effets spéciaux, mais s'abandonne cependant au pêché mignon du montage hystérique. Le scénario de David Goyer, déjà signataire du très beau Dark City d'Alex Proyas. La densité que Goyer donne au personnage de Blade évoque plus la personnalité du Batman Returns de Tim Burton que celle des gros bras décérébrés des films cités plus haut. Ce qui ne veut pas dire que Blade se montre avare en scènes d'action. Celles-ci sont simplement intégrées dans une histoire qui s'élève largement au dessus du niveau de simple prétexte requis par les adaptations standard de comic book et de videogame. « J'ai voulu donner à l'action une forme de chaos contrôlé, lui donner un côté chic », précise Wesley Snipes. Pari tenu. Sa maîtrise des arts martiaux, soutenue par un talent d'acteur et de chorégraphe qui ne se limite pas à ses seules capacités athlétiques, confère aux combats de Blade une crédibilité et une force assez rare dans le cinéma d'arts martiaux américain.

L'Art de la guerre

Avant de revenir au personnage de Blade pour une suite flamboyante signée par Guillermo Del Toro, Wesley à l'occasion de faire à nouveau preuve de ses talents de combattant dans un thriller efficace et brillant signé par le réalisateur canadien Christian Duguay, L'Art de la guerre. L'agent Neil Shaw (Wesley Snipes) travaille au service de sécurité des Nations Unies, en charge des opérations secrètes. Lorsque l'ambassadeur chinois à l'ONU est assassiné en plein discours, Shaw se retrouve suspect numéro un. Traqué par la police, Shaw reçoit l'aide de Juliang Fang (Marie Matiko), une traductrice présente sur les lieux de l'attentat. Peu de temps après, les cadavres de plusieurs réfugiés politiques chinois sont retrouvés dans un container abandonné au large des côtes. Shaw ne tarde pas à comprendre que derrière tous ces évènements se cache Bly (Michael Biehn) son ex-collègue et ami, prétendument porté disparu. Le titre du film fait référence au célèbre manuel de la Chine antique rédigé par Sun Tzu, un ouvrage que Snipes feuilletait dans Passager 57. L'Art de la guerre était un projet conçu pour Jet Li, qui le refusa. Wesley, emballé par le sujet, s'empressa de le récupérer, allant même jusqu'à le coproduire avec sa société Amen Ra. Signalons également que l'acteur a également assuré la coproduction de la trilogie des Blade, ainsi que la chorégraphie des séquences d'arts martiaux des trois aventures du super héros mi-vampire mi-humain. Depuis Blade Trinity, son dernier film sorti en salle en 2004, Wesley Snipes, à l'instar de son confrère Steven Seagal qu'il a rejoint dans l'écurie de Sony Pictures, poursuit sa carrière dans le cinéma d'action Direct To Vidéo. Ayant provisoirement abandonné le cinéma d'auteur, il se présente désormais comme le digne héritier des héros de la Blaxploitation des années 1970.

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Homme de grande culture, Wesley Snipes est capable de vous parler pendant des heures de ciné Kung fu, de comic-books, mais aussi de la culture populaire de la communauté africaine américaine. Lorsque je le rencontrais en 2002 pour le sortie de Blade 2 il me parla avec enthousiasme de Dr Ben, le documentaire qu'il venait de produire sur la vie et l'œuvre de l'égyptologue éthiopien Josef Ben-Jochannan, dont les travaux vont dans le même sens que ceux de Cheikh Anta Diop ou de Théophile Obenga. On peut d'ailleurs supposer sans faire preuve de paranoïa excessive que les ennuis judiciaires qui, ces dernières années, se sont abattus en cascade sur les épaules de Wesley sont la conséquence directe de son engagement de producteur sur des sujets qui dérangent les milieux conservateurs : ennuis avec l'IRS (le fisc américain), accusation en paternité, rumeurs de violence sur Halle Berry, affaire du vrai-faux passeport sud-africain. Signalons que son procès en paternité orchestré par un couple de procureurs d'une petite ville de l'Indiana s'est soldé par la défaite de l'accusation. Wesley Snipes, un acteur complet, charismatique et athlétique, mais également conscient des enjeux historiques et culturels de notre temps. Christophe Champclaux

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WESLEY SNIPES - PRINCIPAUX FILMS

1987 Bad (idem) réal. Martin Scorcese.
1989 Les Indians (Major League) réal. David Ward.
1990 Mo' Better Blues (idem) réal. Spike Lee.
1990 King of New York (idem) réal. Abel Ferrara.
1991 New Jack City (idem) réal. Mario Van Peebles.
1991 Jungle Fever (idem) réal. Spike Lee.
1992 Passager 57 (Passenger 57) réal. Kevin Hooks.
1993 Soleil Levant (Rising Sun) réal. Philip Kaufman.
1993 Demolition Man (idem) réal. Marco Brambilla.
1994 Drop Zone (idem) réal. John Badham.
1996 The Fan (idem) réal. Tony Scott.
1996 Pour une Nuit (One Night Stand) réal. Mike Figgis.
1997 U.S. Marshals (idem) réal. Stuart Baird.
1998 Blade (idem) réal. Stephen Norrington.
2000 L'Art de la guerre (The Art of War) réal. Christian Duguay.
2002 Blade 2 réal. Guillermo Del Toro.
2002 Unstopable réal. David Carson.
2004 Blade Trinity (idem) réal. David S. Goyer.

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Source : Tigres et Dragons, les arts martiaux au cinéma, de Hong Kong à Hollywood - Christophe Champclaux, Guy Trédaniel éditeur (2002)

JIM KELLY, KARATEKA ET TENNISMAN

Christophe Champclaux — 2007-12-28T20:32:29Z

Contrôlé par deux policiers racistes qui veulent l'empêcher de prendre son avion pour Hong Kong, Williams se fait confisquer son passeport. Ni une, ni deux, il assomme les deux hommes et se rend à l'aéroport de Los Angeles dans leur voiture de fonction. C'est ainsi que les spectateurs de 1973 ont découvert une nouvelle star du cinéma d'action. Karatéka groovy, tennisman funky, acteur d'une élégance rare, au cours de sa brève carrière cinématographique, Jim Kelly fut l'une des icônes majeures de la Blaxploitation des années 1970. Le grand public se souvient de lui pour son rôle au côté de Bruce Lee dans Opération dragon, l'un des plus grands succès de l'histoire du cinéma. Mais les films d'action qu'il tourna pas la suite méritent largement d'être redécouvert par les amateurs du genre.

Aujourd'hui oublié du grand public, Jim Kelly fut dans les années 1970, au même titre que Richard Roundtree, Jim Brown et Fred Williamson, l'un des grand héros de la communauté africaine-américaine. Né à Paris (Kentucky) le 5 mai 1946, James M. Kelly se distingue comme halfback dans l'équipe de football du lycée de Bourbon County (Kentucky). Il s'illustre ensuite à l'Université de Louisville en athlétisme et en baseball, où il joue durant deux étés comme centerfield dans une équipe semi-pro. Et lorsque Jim démarre la boxe, Archie Moore, ancien champion du monde des poids lourds, lui conseille de passer professionnel. C'est également à Louisville que Jim débute la pratique du Shorin-ryu Karaté. Ses professeurs sont Parker Sheldon et Gordon Doversola qui lui décerne sa ceinture noire. En 1971 à Burbank, il remporte le titre des poids moyens de l'American Taekwondo Championships. Jim Kelly s'illustre ensuite dans quatre autres grands tournois avant de remporter en 1972 le titre des poids moyens aux internationaux de Long Beach. C'est au cours de cette compétition qu'il est repéré par Bob Wall, un ancien élève de Gordon Doversola, chargé par Fred Weintraub de recruter un combattant africain-américain pour jouer au côté de Bruce Lee. En fait, Jim Kelly fut recruté à la dernière minute, en remplacement de Rockne Tarkington dont les exigences financières ne cadraient pas avec le budget du film. Tarkington et Kelly viennent de se croiser en 1972 au générique de l'excellent thriller Melinda. Tarkington y incarnait un truand et Kelly le prof de Karaté du héros interprété par Calvin Lockhart.

Opération Dragon

1972, les films de Hong Kong font un tabac dans les ghettos. Les producteurs flairent le filon. Parmi eux, Paul Heller et Fred Weintraub mandatés par la Warner viennent de s'associer avec Raymond Chow pour mettre en chantier « le premier film d'arts martiaux produit par une compagnie américaine », ainsi que devait l'annoncer la publicité. Ce sera bien sûr Opération Dragon réalisé par Robert Clouse.

Les producteurs Heller et Weintraub avaient fait la connaissance de Bruce Lee par l'intermédiaire de Sterling Silliphant, à l'époque du développement de La Flute silencieuse. Puis ils avaient été impliqués dans le labyrinthe de la préparation du film The Way of the Tiger, The Sign of the Dragon, qui allait devenir le pilote de la série The Warrior, ultérieurement rebaptisée Kung Fu. Lorsque Big boss et La Fureur de vaincre cassent la baraque à Hong Kong, le grand patron de la Warner, Ted Ashley, qui était resté en contact personnel avec Bruce depuis son départ d'Hollywood en juillet 1971, donne son feu vert pour le tournage du film Blood and Steel. Novembre 1972. Bruce est en plein tournage du Jeu de la mort lorsqu'il apprend la nouvelle. Le premier rôle dans une production d'Hollywood. Le rêve devenait réalité. Bruce arrête le tournage du Jeu de la mort. Il prévoit de reprendre le travail en septembre 1973, une fois achevé le travail promotionnel autour de Blood and Steel. Le tournage débute en janvier 1973. Heller et Weintraub sont à la production, Robert Clouse à la réalisation. Alors, la grande question : qui est le véritable réalisateur d'Opération Dragon ? Bruce Lee ou Robert Clouse ? Les deux, mon capitaine. L'énergie, le sens de l'espace, la justesse des cadrages, la précision du montage dans les scènes d'action, tout cela porte incontestablement la patte du Petit Dragon, qui avait fait d'énorme progrès question mise en scène entre La Fureur du dragon et Le Jeu de la mort. Mais le bateau est bien piloté par Robert Clouse. D'abord, Clouse n'est pas le gros mauvais que l'on croit. New York ne répond plus témoigne de son talent personnel. La Ceinture noire et Le Chinois sont des films honorables. Et sur le plateau de Blood and Steel, bientôt retitré Opération Dragon, l'enthousiasme de Bruce Lee est communicatif.

Un engrenage de combats monstrueux

Michael Allin a eu l'idée d'un tournoi mortel dans une île forteresse interdite aux armes à feu. Une façon comme une autre de justifier un maximum de combats à mains nues. Bruce incarne Lee, un moine Shaolin. Réminiscence évidente du rôle qu'il devait tenir dans The Warrior. L'intrigue est un mélange de Fu Manchu et de Docteur No. À partir de son île, monsieur Han (Shih Kien) alimente en opium et en prostituées son empire du crime. Braithwaite, un fonctionnaire de l'administration britannique, charge Lee de participer au tournoi que Han organise tous les deux ans pour repérer les nouveaux talents susceptibles d'intégrer son organisation. La mission de Lee doit se limiter à ramener des preuves pouvant justifier une intervention militaire. Au cours de sa mission, Lee croise la route de deux sympathiques champions américains, Ropers (John Saxon) et Williams (Jim Kelly). Naturellement, les choses ne vont pas tourner comme prévu, et les recherches de Lee vont déclencher un engrenage d'exécutions et de combats plus monstrueux les uns que les autres.

Le résultat visuel est prodigieux. Le film a l'air d'une superproduction luxueuse, alors qu'il était franchement fauché par rapport aux standards hollywoodiens de l'époque. La première a lieu le 29 août 1973, au Grauman Chinese Theater, sur Hollywood Boulevard. Une vraie première hollywoodienne, un triomphe populaire. Mais Bruce Lee, décédé d'un œdème cérébral à Hong Kong le 20 juillet n'est plus là pour y assister. Le Petit Dragon ayant déjà été la vedette de Big boss et de La Fureur de vaincre, Jim Kelly est la véritable révélation du film. Heller et Weintraub avaient demandé à leur scénariste Michael Allin d'écrire un rôle de premier plan pour un karatéka afro-américain. Ce personnage, Williams, est confié à Jim Kelly, qui depuis quelque temps, délaisse les dojos pour les cours d'arts dramatiques. Il va se montrer sous son meilleur jour : souple souriant, décontracté. Lorsque Jim apparaît à l'écran au cours du générique, coiffure afro et denim rouge, arpentant les rues de Hong Kong de sa démarche féline, le public est d'emblée avec lui. Sur le plateau, ses rapports avec Bruce Lee, responsable de la chorégraphie et de la mise en scène des séquences de combat, ont été excellents. Jim raconte : " Quand j'ai commencé à travailler avec Bruce, il m'a enseigné quelques techniques (...). Un jour, il me dit ; « Jim, fais-moi un revers. » Je lui en fais un ou deux, et il remarque : « Tu as un revers plutôt rapide. Laisse-moi te montrer le mien. » Je me mets en position, il fait son revers, je le contre. Il dit alors : « Tu as bloqué mon revers ! Personne n'a jamais bloqué mon revers ! » Il disait ça en riant, vous savez il n'était pas sérieux. " Les deux hommes partagent la même admiration pour Mohamed Ali et sa boxe virevoltante héritée des danses martiales africaines. Bruce, reconnaissant la valeur de combattant de Jim, lui laisse une entière liberté d'action, et le résultat est visuellement convaincant. La personnalité de Jim éclate dans chacun de ses revers, dans chacun de ses coups de pieds. Malheureusement son personnage est éliminé au milieu de l'histoire, et l'on doit subir l'improbable combat de John Saxon contre Yang Sze, le futur Bolo Yeung de Bloodsport et Double Impact.

Black Belt Jones

Pour Jim Kelly, le démarrage est foudroyant. Weintraub lui propose un contrat de trois films pour la Warner. Ce sera tout d'abord La Ceinture noire, une comédie policière où il retrouve Robert Clouse, son réalisateur d'Opération Dragon. Des truands cherchent à s'approprier une école de Karaté furieusement groovy où l'on apprend les arts martiaux au son de la Soul music. La fille du prof, Gloria Hendry, perchée sur des talons de dix centimètres, en compagnie de son boyfriend, le champion local Black Belt Jones (Jim), va se retourner contre l'organisation et la détruire. Proche des aventures de Terence Hill et Bud Spencer, certaines séquences sont particulièrement réjouissantes, dans un style cartoonesque à souhait : Les truands giclant par les vitres d'un wagon, Gloria réglant à coups de flingue le problème de l'accumulation de vaisselle sale. La même, au cours d'une poursuite en voiture, jettant sa petite culotte sur le pare brise des méchants. Au cours d'un final bien délirant, au milieu d'une montagne de mousse de détergent, le héros félin élimine ses adversaires par une série de coups de pied acrobatiques particulièrement spectaculaire, inspirée de la Capœira . Si La Ceinture noire fut loin d'égaler les scores d'Opération Dragon, le film connut néanmoins une excellente carrière internationale.

Les Démolisseurs

Ce ne sera pas le cas de la production suivante du trio Kelly-Clouse-Weintraub, L'Aventurière de Hong Kong, une histoire de trafic de drogue entre Hong Kong et les USA. Le scénario est confus, la mise en scène mollassone, et le rôle de Jim franchement accessoire. Combinaison gagnante en revanche avec le film suivant, Les Démolisseurs / Les Trois fauves de Harlem, signé par le réalisateur du premier Shaft, Gordon Parks Jr. Kelly est entouré par Jim Brown et Fred Williamson. Les trois héros poursuivent un groupuscule raciste qui projette d'empoisonner les réserves d'eau potable de New-York, Chicago et Los Angeles. La toxine qui va être déversée sera inoffensive pour les blancs mais mortelle pour les noirs. Sur une excellente bande son d'époque signée par Richard Tufo et les Impression, Brown et Williamson se chargent des fusillades et des explosions, tandis que Kelly régale les spectateurs en faisant de nouveau usage de son karaté contre des flics racistes.

Jim et Ali

La rumeur circula longtemps d'un combat entre Mohamed Ali et Jim Kelly. En 1992, à l'occasion d'une interview donnée au magazine Black Belt, Jim s'expliqua sur cette rumeur. "Mohamed est mon homme. Il a toujours été mon héros. À un moment donné, il y eu des pourparlers afin qu'Ali et moi montions sur le ring. Ali était intéressé. j'aurai fait mes arts martiaux et il aurait boxé. Mais cela ne s'est jamais concrétisé. Ali est monté sur le ring avec Inoke, et on a tous vu comment cela s'est passé."

Patate chaude

En 1976, la suite officielle de La Ceinture noire, intitulée Hot Potato, est la troisième et dernière production du contrat Weintraub. Jones (Kelly) est envoyé en Thaïlande à la recherche de la fille d'un sénateur kidnappée par un apprenti dictateur. L'échec artistique et commercial du film sonne le glas de la position de Jim Kelly en tant que tête d'affiche sur des productions distribuées par des majors. L'année précédente Jim a portant obtenu un rôle secondaire intéressant, celui de Kashtok, un métis muet amoureux de Catherine Spaak, dans un l'excellent western d'Anthony Margheriti La Chevauchée terrible. En 1978, on retrouve Jim Kelly à Hong Kong pour démanteler la Hong Kong Connection. Il combat Bolo Yeung à coups de chaîne d'amarrage, revanche sur le duel manqué dans Opération Dragon. Agent du Narcotic bureau, Jim affronte puis s'associe avec Tan Taoliang, membre renégat d'une triade dirigée par Chen Hsing. Grace à la présence de ces quatre combattants de valeur, les scènes d'action sont d'un excellent niveau. La mise en scène relève du niveau moyen des polars made in Hong Kong de l'époque. Dans Black Samouraï, son ultime succès personnel, on voit Jim pratiquer le sport avec lequel il va désormais gagner sa vie en tant qu'entraîneur : le tennis. En 1975, Jim Kelly se classe numéro 2 de Californie en double messieurs, ainsi que dans le Top Ten national en simple.

Black Samouraï

A la source du film d'Al Adamson, une excellente série de 8 romans écrits par Marc Olden, publiés entre 1974 et 1975 par Signet books. Le film adapte The Warlock, le sixième roman de la série. Pendant trois décennies, l'écrivain afro-américain Marc Olden disparu en 2003, s'est aussi bien illustré dans l'écriture biographique (Angela Davis, Edgar Poe), le roman populaire (Narc, Black Samurai, The Harker Files) que dans le thriller haut de gamme (Gaijin, The Ghost). En 1986, le grand écrivain Tom Clancy (A la poursuite d'octobre rouge) salua la parution de Gaijin en ces termes : " Tous les ingrédients du thriller sont présents ... des personnages fascinants, une intrigue élaborée et un rythme sans faille". Robert Sand, le héros de la série Black Samouraï est un vétéran du Vietnam déboussolé ayant trouvé refuge au Japon chez le vénérable Senseï Konuma. Lorsque son clan est exterminé par un groupe paramilitaire américain, Sand sort de sa retraite pour remonter la filière qui le conduira au commanditaire. Au cours de sa quête vengeresse, Sand est aidé par un ancien président des USA qui met son carnet d'adresse et sa fortune personnelle au service de la justice. Le roman The Warlock (le sorcier) raconte la lutte de Robert Sand contre Janicot, un gourou sadique recourant au chantage, à la corruption sexuelle mais aussi à la sorcellerie pour contrôler les hommes politiques. Le nouvel objectif de Janicot et de ses commanditaires : saboter la conférence de Paris qui doit mettre fin à la guerre du Vietnam. Depuis son luxueux château de la région parisienne, Janicot organise l'enlèvement d'un des négociateurs vietnamien et de son épouse. Cette dernière n'est autre que Toki Konuma, fille du Senseï assassiné et grand amour perdu de Robert Sand. Assisté de Pines, le garde du corps de l'ex-président le Black Samouraï débarque à Paris pour entamer une mortelle partie d'échec avec Janicot. Le sorcier est protégé par une armée de tueurs nains particilièrement effrayants, par Synne une superbe prêtresse Vaudou, par Bones un invincible boxeur afro-américain et par Chavez, un mercenaire sud-américain dont le frère a été tué par Sand. Le roman de Marc Olden, particulièrement captivant, aurait parfaitement convenu au Samuel Fuller de La Maison de bambou, voire au Sam Peckinpah de Tueur d'Elite. En lieu et place, il faut se contenter du redoutable Al Adamson derrière la caméra. Adamson (1929-1995) fut le Ed Wood des années 70. Petit maître du film d'exploitation, il réalisa essentiellement des films fantastiques, mais donna également dans le film de bikers, la comédie sexy ainsi que dans le thriller bizarre comme ce Black Samouraï. Il faut croire que Kelly apprécia sa collaboration avec Adamson puisqu'il retravailla avec lui en 1978 dans Death Dimension. En dehors des noms des personnages principaux, il ne reste plus grand chose du roman de Marc Olden une fois passé à la moulinette Adamson. Janicot (Bill Roy) personnage effrayant dans le roman devient un pantin ridicule. Le tournage en France n'étant pas dans les possibilités budgétaires d'Adamson, la demeure kitschissime du sorcier est transplantée en Floride. Le mari diplomate n'existe plus, Toki est devenu la fille d'un ambassadeur. On nage en plein délire façon sixties, à l'époque où le cinéma européen produisait à la chaîne des imitations des films de James Bond. Pour les besoins de son enquête, notre Black Samouraï, utilise d'ailleurs le même propulseur dorsal que Sean Connery dans le pré-générique d'Opération Tonnerre. Chaque apparition des nains tueurs, censés provoquer la terreur, déclenche en fait l'hilarité des spectateurs. Le combat de Sand contre le vautour (qui n'existe évidemment pas dans le roman) est un grand moment de cinéma bis, en tout point digne du combat de Bela Lugosi contre la pieuvre dans Bride of the monster. À la différence près que la pieuvre était en plastique alors que le vautour est véritable. Jim est d'ailleurs doublé dans cette séquence, les mains qui accrochent les serres du vautour sont celles d'un blanc, très probablement celles du dresseur de la bestiole. Jim Kelly tient son rôle avec le plus grand sérieux, se permettant tout de même de préciser à la superbe Marilyn Joi qu'il n'est pas son chevalier blanc. Dans le rôle de Synne, Marilyn met le feu à l'écran. La Cléopâtra Schwarz qui nettoie le ghetto pendant que son rabbin de mari allume les chandelles du sabbat, c'est elle ! Outre cette mémorable apparition topless dans le Hamburger Film Sandwich de John Landis, Marilyn Joi a également été vue dans deux épisodes de Starsky et Hutch, ainsi que dans plusieurs films d'Adamson. L'alchimie entre Jim et Marilyn fonctionne à merveille et l'on regrette qu'Adamson ne leur ait pas ménagé une scène plus chaude. Toujours est-il que ce Black Samouraï constitue un grand moment de la Blaxploitation, et que l'on prend un immense plaisir à suivre ces aventures psychédéliques rythmées par un excellent thème musical du compositeur britannique Alan Hawkshaw.

Baroud d'honneur

Jim Kelly fut-il victime de son manque d'exigence vis-à-vis des réalisateurs et des producteurs, ou plutôt d'un contexte défavorable aux acteurs africains-américains ? La réponse est évidente. Jim débuta à une époque où l'on n'écrivait plus de grands rôles de rebelles charismatiques tels que ceux interprétés par Sydney Poitier : Leader anti-colonialiste dans Le Carnaval des dieux (Something of Value, 1957, Richard Brooks) ou militant du Black Panther dans L'Homme perdu (The Lost Man, 1969, Robert Alan Arthur). Et l'Amérique blanche n'était pas encore prête pour la reconnaissance des héros noirs qui marqua la deuxième moitié des années 1980, avec Carl Weathers, Billy Dee Williams, Gregory Hines, Danny Glover, Mario Van Peebles, et bien sûr Eddy Murphy. Les années 1990 ont révélés dans le registre aventure-action des pointures telles que Samuel Jackson, Wesley Snipes et Will Smith. Jim Kelly fit un dernier baroud d'honneur en 1982 dans un film dirigé par son complice Fred Williamson, Les Quatre justiciers. Williamson, qui était également producteur du film, sentant qu'une époque se terminait, reforma le trio des Démolisseurs auquel il ajouta un quatrième larron en la présence de Richard Roundtree, l'ex-interprète de Shaft. Les cheveux grisonnants, Jim Kelly y incarne l'entraîneur d'une équipe de full-contact californienne aux prises avec des truands new-yorkais. C'est sur ce petit film sympathique, mais pas vraiment enthousiasmant qu'il termina sa carrière cinématographique. Michael Landon fera appel à lui en 1985 comme guest-star dans deux épisodes de sa série TV Les Routes du paradis. La carrière de Jim Kelly, selon la formule consacrée, n'a pas été à la hauteur de son talent. Il fut le premier acteur non asiatique à se battre devant une caméra avec une aisance aussi remarquable, exception faite de son presque homonyme Gene Kelly dans Les Trois mousquetaires (1949), et bien sûr de Douglas Fairbanks. Même d'authentiques champions tels que Chuck Norris, Bill Wallace et Joe Lewis n'ont pu rendre une telle sensation de souplesse et d'élégance. Seul Jean-Claude Van Damme, à la fin des années 1980 est parvenu à l'approcher sans néanmoins égaler la cool attitude de Kelly. Pour se consoler, on peut toujours se repasser en DVD Opération Dragon, La Ceinture noire, Les Démolisseurs, La Chevauchée terrible et Black Samouraï. Et se remémorer cette phrase du grand Jim : "Les gens peuvent vous prendre votre argent, votre voiture ou votre petite amie. Ils peuvent vous faire un tas de chose. Mais ne laissez jamais personne prendre votre esprit. Si cela arrive tout partira avec."

Christophe Champclaux

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JIM KELLY - PRINCIPAUX FILMS

1972 Melinda réal. Hugh A. Robertson.
1973 Opération Dragon (Enter the Dragon) réal. Robert Clouse.
1974 La Ceinture noire (Black Belt jones) réal. Robert Clouse.
1974 Les Démolisseurs (Three the Hard Way) réal. Gordon Parks Jr.
1975 L'Aventurière de Hong Kong (Golden Needles) réal. Robert Clouse.
1975 La Chevauchée terrible (Take a Hard Ride) réal. Anthony Dawson.
1976 Hot Potato réal. Oscar Williams.
1977 Black Samouraï (Black Samurai) réal. Al Adamson.
1978 Hong Kong Connection (The Tatoo Connection) réal. Lee Tso Nam.
1978 Death Dimension réal. Al Adamson.
1982 Les Quatre justiciers (One Down, Two To Go) réal. Fred Williamson.

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Source : Tigres et Dragons, les arts martiaux au cinéma, du ring à la rue - Christophe Champclaux, Guy Trédaniel éditeur (2001)

LA CHEVAUCHEE TERRIBLE

Christophe Champclaux — 2007-09-10T18:59:54Z

Jim Brown, Fred Williamson et Jim Kelly dans un western spaghetti de bonne facture reforment en 1975 leur trio gagnant des Démolisseurs réalisé l'année précédente. Derrière la caméra, le spécialiste Antonio Margheriti, Eric "Shogun" Bercovici au scénario, sans oublier une excellente partition du maître Jerry Goldsmith.

Cette fois, le western européen ne regarde plus vers l'Asie pour tenter de trouver un sang neuf, mais vers une Amérique soudainement séduite par les charmes rapeux de la Blaxploitation. Les critiques européens ont copieusement éreinté ce film pour sa seule appartenance à ce filon. Ils se sont en particulier acharné sur la soi-disante irréalité du personnage de Kashtok incarné par Jim Kelly. Un Indien-noir qui se bat avec ses poings et ses pieds, quelle invention opportuniste et ridicule en pleine vogue de la Blaxploitation et du Film-Karaté ! Un tel jugement dénote un triple racisme, contre le western italien, contre la Blaxploitation, et surtout contre la réalité de la présence des Africains-américains dans la conquête de l'Ouest.

Les Africains Américains dans l'Ouest

Rappellons quelques vérités historiques, tout d'abord, celle concernant les gardiens de troupeaux, les fameux cow-boys. Avant d'être magnifiée par la légende, la réalité de ce métier n'était guère brillante. Les cow-boys étaient la plupart du temps de misérables ouvriers agricoles surexploités et sous-payés. Une condition si peu enviable que la moitié de ces emplois étaient occupés par des Mexicains ou des Africains-américains. Parmi la liste des conducteurs de troupeau ayant marqué l'histoire de l'Ouest se trouve un certain « nigger » Jim Kelly (aucun rapport avec notre acteur) qui n'a toujours pas reçu les honneurs d'Hollywood. Prenez maintenant n'importe quel western des années 1950 : tous bien blancs, bien WASP. À peine si l'on apperçoit au fond du cadre la silhouette d'un chicano ou d'un esclave affranchi. Un révisionnisme qui ne sera corrigé qu'à partir de la seconde moitié des années 1960, au moment de la lutte pour les droits civiques. Les émeutes de Watts, l'assassinat de Malcom X et de Martin Luther King seront suivis par l'arrivée dans le western de stars afro-américaines telles que Sydney Poitier, Harry Bellafonte et Jim Brown. Une excellente série TV de 1968, intitulée Les Bannis (The Outcasts), fut même basée sur l'association improbable entre un ancien planteur ruiné par la guerre civile (Don Murray) et un esclave affranchi incarné par Otis Young. Voyons maintenant le personnage de Jim Kelly, Kashtok, l'indien qui se bat avec poings et ses pieds. Avant la guerre civile, les esclaves évadés n'avaient qu'un objectif pour éviter la pendaison ou la mutilation, fuir vers le Nord pour trouver un emploi d'ouvrier sous-payé dans les grandes usines de Pittsburgh ou de Chicago. Certains esclaves partis « marrons » ont cependant trouvé refuge auprès de tribus indiennes qui accueillirent avec bienveillance ces « hommes-blancs-à-peau-noire », eux-aussi victimes de la « civilisation » venue d'Europe. Barry Gifford, l'écrivain à qui l'on doit le roman Sailor et Lula (Wild at Heart), a écrit un scénario de western intitulé Black Sun Rising, consacré au sort de ces Afro-américains ayant adopté le mode de vie des Amérindiens pour échapper à l'enfer de l'esclavage. Inutile de préciser qu'aucun studio à ce jour ne s'est battu pour mettre en image ce scénario co-écrit par James Hamilton, ancien collaborateur de Sam Peckinpah.

Arts martiaux africains

Enfin, en ce qui concerne les techniques de combats à mains nues utilisées par Kashtok, elles font partie intégrante de la culture africaine depuis l'Egypte antique. Cette tradition a donné outre-mer dans les pays de la diaspora, les arts de la Capoeira au Brésil, du Mayolé aux Antilles, ou du Moring dans l'Océan Indien. Toutes ces précisions historiques remettent en place La Chevauchée Terrible dans un contexte bien différent de celui perçu par les critiques européens des années 1970. Le film de Margheriti ne s'encombre évidemment pas de pédagogie historique. La trame de son film est l'une des plus basiques qui soient : plusieurs aventuriers plus ou moins bien intentionnés se lancent à la poursuite d'une paire de sacoches bourrées de dollars à la suite de la vente d'un important troupeau de bétail. Fait assez rare dans le western européen, l'essentiel des capitaux de la production ne vient pas d'Italie, d'Espagne, de France ou d'Allemagne, mais d'Hollywood, et qui plus est d'une major, la Twentieth Century Fox. Conséquence immédiate, à l'exception de Catherine Spaak, le casting est majoritairement américain. Outre les trois stars de la Blaxploitation, Jim Brown, Fred Williamson, et Jim Kelly, le générique aligne également quelques acteurs familiers des plateaux hollywoodiens : Dana Andrews, l'ancien détective des films noirs de Preminger, Harry Carey Jr, vétéran de la stock company de John Ford et fils de l'une des premières stars du genre, et naturellement Lee Van Cleef dans un rôle malheureusement moins étoffé qu'à l'ordinaire. L'intrigue étant centrée sur la rivalité entre les personnages interprétés par Brown et Williamson, les autres acteurs sont quelque peu sacrifiés par le scénario. Jim Kelly dans son rôle muet nous gratifie néanmoins de quelques jolies figures acrobatiques. Eric Bercovici, l'un des deux scénaristes du film avait travaillé l'année précédente sur Les démolisseurs (Three the Hard Way), interprété par Brown, Kelly et Williamson, et adaptera quelques années plus tard pour la Paramount le remarquable roman de James Clavell, Shogun. Egalement à mettre à l'actif de l'investissement américain, une excellente partition du maître Jerry Goldsmith, rehaussant les forts belles images composées par Margheriti. Passée l'arrivée du troupeau qui ouvre l'histoire, filmée dans l'une des western town d'Alméria, l'équipe du film s'est ensuite déplacée dans les décors désertiques des îles Canaries, offrant quelques grandioses paysages renouvelant agréablement la géographie du western européen.

Christophe Champclaux

Source : Tigres et Dragons, les arts martiaux au cinéma, Chevaliers et samourais - Guy Trédaniel éditeur (parution 2008)